Мемы Haute Couture

Несколько слов о мемах, мемах Haute couture… и почему они так популярны?

У каждой эпохи есть свои жанры-агенты. Те, что формируются как будто самим духом времени. Те, что отвечают настроениям многих. Те, что созвучны ритму бытия.

Осознание ценности Человека в эпоху Ренессанса приводит к Портрету.

Идея превосходства Государства над личностью – к торжеству оды.

Власть высших сил над Человеком – к балладе.

Эпоха интернета и цифрового мира породила новый жанр – жанр мема. Этот жанр массовой культуры, по большей части анонимный, включает в себя изображение и надпись, причем и то и другое может быть уже кем-то создано. Анонимный автор мема выступает по большей части как инженер-конструктор, творящий из уже готовых деталей новый продукт с новыми смыслами, актуальными, острыми, часто забавными.

Если обратиться к исторической перспективе, то братом-близнецом мема является эмблема, известная еще античности и особую популярность приобретшая в конце XVII-начале XVIII века. Так, по указу Петра I в Петербурге был издан сборник «Символы и эмблемата», который включал 840 рисунков эмблем с поясняющими надписями на нескольких языках. Эмблема, как и мем, включала рисунок, например, в коляске, запряженной львами, едет человек, и надпись «Мудрый человек укрощает и диких зверей». Рисунок плюс слово такова формула и эмблемы, и мема. Однако если в эмблеме – этичной и мудрой – рисунок и надпись совпадают в своем пафосе и идее, то в меме фото/картинка конфликтуют со словами, за счет чего и достигается ироничный эффект.

Эмблема нацелена на вечное, поэтому сборник эмблем выдержал несколько переизданий на протяжение нескольких столетий. Мем якобы сфокусирован на событиях сегодняшнего дня. Он броский, цепляет взгляд кадром из знаменитого фильма с надписью из мирового бестселлера и вызывает улыбку зрителя-читателя, которая переходит в размышления над идеей или событием.

Кажется, вот оно отличие – эмблема про вечное, мем – про настоящее, на потребу дня и публики. Мем – жанр быстрого реагирования: выхватывает из действительности самое-самое и подсвечивает в нем какую-то сторону, намеренно или случайно скрытую при первом рассмотрении. Но это лишь внешняя сторона мемов.

В нашей книге мы сосредоточим внимание на мемах, которые рассказывают и о вечном, и об актуальном.

Внимание! Будет интересно!

История

Изучение истории развивает аналитику и мышление, укрепляет память. Чтобы не повторить ошибки прошлого и построить светлое будущее, нужно чувствовать эту связь между прошлым и будущим.

Однако для миллениалов и поколения Z царская Россия представляется такой же далёкой, как и эра динозавров – ни там, ни там не было Интернета и других вещей, обеспечивающих комфорт современной жизни. Хотя историю в школах преподают с пятого класса, в апреле 2020 года после упоминания печенегов и половцев в речи Президента Российской Федерации В. В. Путина[1] частота поисковых запросов в Google «Кто такие половцы» и «Кто такие печенеги» за последние 5 лет достигла максимума популярности – выросла на 160 % и 80 % соответственно[2].

Некоторые учителя стараются сократить разрыв между эпохами и поколениями, переведя уроки истории на понятный молодёжи язык – мемы. Уже написано несколько диссертаций об использовании интернет-мемов в качестве вспомогательного инструмента на уроках. В частности Р. Лозовая[3], преподаватель истории в петербургском колледже туризма и гостиничного сервиса, и В. Попок[4], учитель истории в школе посёлка Сингапай, активно применяют мемы на уроках. Ученики сами создают комиксы и мемы на заданные темы – смерть Вещего Олега, события Смутного времени или реформы Петра I – или создают исторические сериалы в социальных сетях. В результате у ребят повышается интерес к предмету, и они легче запоминают ход событий и имена личностей, оказавших наибольшее влияние на историю. Смешные картинки и игра слов не оставляют равнодушными и взрослых. На просторах Вконтакте существует огромное число пабликов, посвящённых «историческим» мемам.

Некоторые из них раскрывают историю моды с необычной стороны – они и представлены в «ленте» книги.

#мужскаямода#историястиля

На первый взгляд, это «он»! Тот, из которого сыплется песок. Это Карл V, король Испании, Германии и Император Священной Римской Империи XVI века. Однако на портрете кисти великого художника эпохи Возрождения Тициана монарх, над чьей «империей никогда не садится Солнце» (настолько обширны владения Карла V), запечатлён тридцатидвухлетним. Судя по всему, мем иронизирует не над возрастом изображённого короля и, видимо, не над его преданным псом (мордочка выглядит довольно опрятно, а все остальные части его тела на картине не представлены). Тогда в чём шутка? Мем должен быть смешным, а здесь непонятно…

На самом деле, данный мем – отсылка к одной из самых значимых деталей мужского гардероба XVI века. Словарь В. И. Даля определяет гульфик как «часть панталон, брюк, пристёгиваемая спереди к поясу»[5]. Проще говоря, это лацкан или карман для мужского детородного органа. Первоначально он представлял собой железную пластину, часть рыцарских доспехов, и служил защитой паха в бою. Позднее он стал неотъемлемой частью мужского костюма европейских дворян, отражая воинствующую культуру того времени. Вот как пишет об этом Ф. Рабле в «Гаргантюа и Пантагрюэль»: «Узрев, что муж её собрался в бой / Идти с незащищённою мотнёю, / Жена сказала: / “Друг, прикрой бронёю / Свой бедный гульфик, столь любимый мной”. / Считаю мудрым я совет такой, / Хотя он был подсказан ей испугом: / Вдруг будет отнят у неё войной / Кусок, который лаком всем супругам»[6].

Гульфики изготавливались из разных тканей, в том числе из шёлка и бархата, а модники того времени могли украсить их вышивкой, драгоценными камнями, разрезами. На картинах эпохи Возрождения, изображающих знатных особ мужского пола, гульфик всегда прописан детально, подчёркивая не только мужественность, но и (в зависимости от украшений на нём) материальное положение хозяина.

Пожалуй, самым известным ценителем гульфиков является герой многочисленных мемов Генрих VIII. У него было их великое множество – и перпендикулярных, и многократно увеличенных в объёме (неудивительно, что у него было 6 жён). Кстати, доспехи легендарного короля Англии с металлическим гульфиком хранятся в Тауэре – их вес 30 кг.

Но при чём тут песок? Чтобы увеличить гульфик, в него подкладывали мягкие ткани, свёрнутые в несколько раз. А кто-то шёл дальше и набивал гульфик песком, который во время быстрой ходьбы, танца или при любом резком движении просыпался, предоставляя окружающим повод позлорадствовать: «Да из него уже песок сыплется»!

#макияждлясебя#визажбровей

Марфушечка-душечка из «Морозко» – не только образ девушки, не умеющей накладывать макияж красиво, но и дань моде России прошлых веков. Барон Августин Майерберг, австрийский дипломат, в XVII веке посетил Москву и описал увиденное в двух сочинениях под названием «Путешествие в Московию». Модниц того времени барон описывает так: «Потому что если природа и не обезобразит их каким ни есть недостатком, который исправляется искусством, тем не менее все они натирают всё лицо с шеей белилами, а для подкраски щёк и губ прибавляют ещё румян. Этот ложный обычай подкрашивать себе цвет лица до того укоренился, что даже в числе свадебных подарков глупый жених посылает невесте также и румяна, чтобы она себя подделывала»[7].

Дворянки добывали жемчужные белила и румяна из-за границы, а простолюдинки натирали щёки свёклой и отбеливали лицо кислым молоком или картошкой. У Ивана Аргунова есть картина, «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме», написанная в 1784 году[8]. Девушка на ней отождествляет идеал красоты того времени – бледная кожа, румяные щёки, коралловые бусы на шее, чтобы казаться полнее, ведь пропорция 90–60–90 вошла в моду гораздо позднее. Рецепты красоты крестьянок (льняное масло – для волос, репейное – для бровей, сметана – для мягкости кожи) не только дешевле, но и полезнее косметических средств зажиточных дам. «Венецианские белила» делали кожу бледной и гладкой, тем самым скрывая её недостатки или изъяны. Забавно, но «дефекты» – серый цвет и морщины – появлялись именно от использования белил, ведь в них добавляли ядовитый свинец.

Спасибо Коко Шанель, с 1920-х годов бледность перестала быть популярной, а в моду вошёл бронзовый загар. Любопытно, что за возможность ухаживать за собой в 1930–1940-х годах радела ярая сталинистка Полина Жемчужина, жена того самого Молотова, упомянутого в каждом учебнике по русской истории. Возглавив «ТЭЖЭ» (трест эфирно-жировых эссенций), Жемчужина отважилась на очень смелый для любого предприятия шаг – начала продавать товары ниже себестоимости производства. Даже бедные девушки смогли позволить себе отечественные пудры, помады, мыло, крема. П. Жемчужиной даже удалось посетить США для изучения новинок бьюти-индустрии, которые в СССР начали производить несколько позднее. Современники описывают Жемчужину как даму, ухаживающую за собой, носящую меха и драгоценности, пышно путешествующую с прислугой. Говорят, она также любила краситься. Остаётся только гадать, уж не за слишком ли яркий макияж Полина Семёновна провела несколько лет в лагере.

#чтовяйце#сквозьвитрины

Киндер-сюрприз – продукт итальянского «сладкого» магната из города Альба – Ferrero. С 1974 года компания выпускает шоколадные яйца с сюрпризом внутри. Хотя сама идея не новая, ведь и в Российской Империи производили кондитерские яйца с игрушками, и в Италии к Пасхе издавна выпекают яйцевидные пирожные с монеткой, Ferrero использовал шоколад с 40 %-м содержанием молока. Нежный сладкий вкус и игрушка-сюрприз быстро сделали киндер любимым лакомством малышей и некоторых взрослых.

Однако мужчина с нижней части мема никакого отношения к Италии не имеет, хотя он тоже создавал яйца с сюрпризом, правда, не съедобные, а драгоценные. На картинке изображены Санкт-Петербург и Карл Фаберже. Русский немец обучался ювелирному мастерству в Европе и, благодаря необычайной креативности и таланту, возглавил фамильное предприятие в 24 года. Финансовый успех и мировая слава пришли к ювелиру с Пасхой 1885 года.

Желая порадовать супругу, император Александр III поручил Карлу Фаберже изготовить пасхальный подарок, который напомнит Марии Фёдоровне о родной Дании. В яйце из белой эмали находился золотой желток, в нём – золотая курочка, а в ней – корона с рубинами и подвеска. Подобные яйца хранились во дворцах датского двора, что Фаберже и взял за основу подарка. В общей сложности ювелир создал 71 яйцо, из которых 54 принадлежало царской семье.

Драгоценные яйца с подарком стали неотъемлемой частью праздников дома Романовых. После смерти Александра III Николай II продолжил традицию отца и дарил по два яйца в год – жене и матери. И, хотя всякий раз дизайн был особенным, в том числе зависел и от повода, по которому его дарили, у всех них было общее – сюрприз внутри. Яйцо «Бутон розы» с верхней части мема стало первым из подаренных Николаем II Александре Фёдоровне. Будущая императрица скучала по родной Германии, а её малая Родина славилась розарием, в котором самым ценным сортом являлись жёлтые розы. К.Фаберже спрятал в яйцо жёлтую розу, бриллиантовую корону и рубиновый кулон.

Императрице Александре Фёдоровне было преподнесено серебряное яйцо с выгравированной на нём картой Сибирской Железной дороги, а в самом яйце заключался миниатюрный поезд из платины и золота. Мастера даже подписали вагоны – «Для Дам», «Для Курящих», «Церковь». Поводом такого «неженского» подарка стало окончание строительства Сибирской Железной дороги в 1900 году.

После революции Карлу Фаберже удалось уехать за границу, где через пару лет он умер, так и не оправившись от потрясения, вызванного событиями тех лет. Львиная доля царских яиц Фаберже была продана большевиками за границу, что хотя бы спасло их от переплавки, в отличие от золотых куполов церквей. Благодаря Виктору Вексельбергу мы можем увидеть «Бутон Розы» в музее Фаберже в Санкт-Петербурге. Этот и другие шедевры были выкуплены на аукционе у семьи миллиардера Малькольма Форбса и возвращены на родину. Вот такая история яиц киндер-сюрприза haute-couture.

#всесвое#наращиваниеволос

Младшая сестра Ким Кардашьян, модель и светская львица Кайли Дженнер стала самым молодым миллиардером, основав собственный бренд. Знаменитость радует поклонников новыми образами – и речь не только о нарядах, подчёркивающих выдающиеся формы селебрити, или ярком макияже, помогающем звезде в продвижении своей линии косметики. К. Дженнер часто появляется на публике с разными причёсками, цветом и длиной волос. Причем детали образа могут измениться несколько раз за день.

Фанаты представительницы семейства Кардашьян-Дженнер долгое время недоумевали, как медовое каре можно превратить в роскошные, до пояса, рыжевато-розовые волосы всего за несколько часов. Было много разных версий о накладных прядях, наращиваниях и просто чудо-волосах Кайли, пока светская львица не призналась в использовании париков. Как это можно было не заметить? Парики звёзд делаются из настоящих волос, каждый из них по отдельности прикрепляется к «дышащей» шапочке. Для светлых париков используются славянские и скандинавские волосы, а для тёмных – тайские и индийские. Качественно сделанный парик – удовольствие недешёвое. Например, платиновый блонд средней длины обошёлся К. Дженнер в 8000 долларов.

Вообще парик – аксессуар с долгой историей. Жители Древнего Египта из-за жары сбривали волосы на голове, причём как мужчины, так и женщины. Чтобы защититься от солнечного удара, все они носили парики. Кто победнее – из перьев или гривы лошадей, а фараоны и их вельможи щеголяли в париках из настоящих человеческих волос. Впоследствии парик стал не только необходимостью, но и демонстрацией статуса и частью моды, которая распространилась на Персию и Древнюю Грецию. О Мессалине, жене одного из императоров Древней Греции, известной распутным поведением, даже написаны такие строки: «Блудная эта Августа бежала от спящего мужа; / Чёрные волосы скрыв под парик белокурый»[9]. Светлые парики из немецких волос чаще носили женщины лёгкого поведения.

В эпоху раннего Средневековья парики попали под запрет церкви. Украшать себя считалось греховным, нецеломудренным, а так как влияние церкви в то время было очень велико, люди не осмеливались идти против правил. Однако монархи, нуждавшиеся в сокрытии лысины, вернули парики в жизнь. Например, королева Елизавета I столкнулась с проблемой седеющих и выпадающих волос и имела более 50 разных париков. При короле-Солнце штаб парикмахеров королевского двора достигал 5000 парикмахеров – в моде были парики из длинных волос, дамы укладывали их в башни или другие фигуры.

Существовали даже правила ношения париков, ведь какое-то время светловолосые парики считались наиболее престижными, и их дозволялось носить только монархам. Потом «белые» парики стали дополнением вечернего образа, а утром и днём разрешалось ходить в чёрных и коричневых. Хотя парик и был модным аксессуаром, позволяющим показать богатство и статус, была у него и практическая функция – скрывать облысение, признак сифилиса, частого проклятия аристократов. Также искусственные волосы помогали в борьбе с паразитами – достаточно промыть и прокипятить парик, чтобы избавиться от вшей, а вот вывести их из настоящей шевелюры не так-то просто.

На Руси социальный статус подчёркивался головным убором – богато украшенным кокошником, например, а причёски были одинаковые и у князей, и у крестьян. Парики в России в моду ввёл Пётр I, он сам носил короткий парик, запечатлённый на портретах императора. Дамы предпочитали высокие причёски с вплетёнными кружевами и жемчужинами, подражая французской королеве Марии Антуанетте, носившей на голове конструкцию Belle Poule. Затем мода опять сменилась, стали популярны короткие волосы. Поэтому изобрели множество способов завивки, а в XIX веке появились первые щипцы для завивки и девушки снова начали отращивать волосы для более сложных причёсок.

Кстати, многие источники считают, что внук Карла Великого, Карл Лысый, получил прозвище по внешнему признаку – отсутствию волос. Говорят, что придворные обоих полов сбривали волосы наголо, подражая монарху. Однако на картинах король изображён с густой чёрной шевелюрой. Есть теория, что лысым его прозвали потому, что, как младшему сыну, ему в наследство не досталось земель. Отцу бы пришлось забрать владения у старших сыновей, чтобы разделить их с Карлом. Так что безземельного Карла прозвали Лысым, но впоследствии он отвоевал не только наследство, но и новые территории.

#поезднамоскву#туфлинаплатформе

Считается, что первобытные люди обматывали ноги шкурой животных, чтобы защитить ступни, а около 40 000 лет назад появилась обувь, отдалённо напоминающая современную. Туфли на платформе остались не только после Анны Карениной. Их история насчитывает более 2000 лет. Уже древние цивилизации носили обувь на платформе.

В Древней Греции актёры, исполняющие главные роли, надевали котурнусы – сандалии на 15-тисантиметровой подошве. Так они казались выше и их было лучше видно задним рядам публики. Древний Египет загадочен и в вопросе обуви: то ли сандалии на платформе носили крестьяне, чтобы толстой подошвой обуви упираться в землю при вспашке земли, то ли такие сандалии носила знать, чтобы подчеркнуть высокий статус. Есть предположение, что подобного рода обувь надевали для церемоний и ритуалов, а кто-то считает, что высокая платформа помогала мясникам не испачкать ноги кровью при разделке мяса.

Модницы Средневековья носили чопины или цокколи – обувь, напоминающую тапочки на платформе от 10 до 100 см. Испания и Италия до сих пор оспаривают происхождение этого вида обуви. Считается, что чопины первыми начали носить венецианки, но есть письменные доказательства, что в Испании этот тип обуви появился раньше. В «Гамлете» Шекспира упоминаются чопины как made in Italy: «Царица небесная, вы на целый венецианский каблук залетели в небо с нашей последней встречи!»[10].

Огромная деревянная подошва защищала дам от грязи улиц, возможных болезней, вызванных дизентерией, и помогала казаться выше. Сами «тапочки» делались из бархата и других дорогих материалов и украшались драгоценными камнями. Передвигаться на чопинах было довольно сложно без посторонней помощи (этакие ходули), поэтому аристократок сопровождали служанки или кавалеры.

Интерес к чопинам угас по нескольким причинам: эта обувь стала популярна среди женщин лёгкого поведения, носить такие туфли считалось признаком распущенности. Католическая церковь не одобряла этот вид обуви, из-за многочисленных падений с платформы увеличилось число выкидышей. На балах удобнее было танцевать в туфлях на каблуке, а не на платформе. Чтобы казаться выше и взрослее, Екатерина Медичи заказала свадебные туфли на 5-тисантиметровом каблуке, при этом флорентийский мастер убрал платформу, и в моду вошёл новый вид обуви.

Платформы вернулись в XX веке. Известная американская актриса Мэй Уэст хотела казаться выше (рост звезды составлял всего 152 см) и носила сделанные на заказ туфли, скрывавшиеся под подолом длинных платьев. Туфли Мэй как будто крепились к ещё одним, а высота платформы достигала 24 см. Несмотря на маленький рост или благодаря туфлям на платформе актриса стала секс-символом Америки 1920–1930-х годов. Её запечатлел на портрете испанский художник Сальвадор Дали и создал диван в форме губ Мэй Уэст.

В моду обувь на платформе вошла в 1930-х годах. Доставать материалы для производства обуви в Италии, находившейся под санкциями из-за участия в войне в Эфиопии, было достаточно сложно. Сальвадоре Феррагамо использовал пробку для создания туфель на танкетке, он считается изобретателем этого вида обуви. В 1940-х в ходе Второй мировой войны подошву и платформы делали из древесины также по причине нехватки материалов.

Пик популярности обуви на платформе пришёлся на 1970-ые. И мужчины, и женщины носили туфли на высокой платформе, подражая звёздам диско, таким, как Дэвид Боуи и Элтон Джон. Последний участвовал в нескольких благотворительных аукционах, на которых продал некоторые ботинки на платформе из своей обширной коллекции, насчитывающей несколько сотен пар.

Через 20 лет обувь на платформе снова вернулась на сцену на ногах участниц группы Spice Girls и вышла за пределы концертных залов. Модницы 1990-х носили туфли и кроссовки на платформе, трибьют этой эпохе сделали в 2010 году Celine, Marc Jacobs и, конечно, Alexander McQueen, в чьей обуви на высокой платформе регулярно появлялась певица Леди Гага. Кам-Бэки в мире моды случаются с определённой регулярностью, так что не за горами обувь на платформе в витринах бутиков.

#всесвоевсегдассобой#борсеткавмоде

Образ кондуктора сложно представить без бельтбэга. Как его только не называют – и калита, и поясная сумка, и марсупио. В России этот аксессуар прочно ассоциируется с проводниками поездов, кондукторами в трамваях, торговцами на рынках. Однако в 2016 году поясные сумки появились на показах Alexander Wang и Chanel, а позднее и у других топовых брендов. В 2020 году модели Gucci, Givenchy, Zimmerman, Balenciaga дефилировали на подиумах с сумкой на бедре, через плечо, на поясе. Настоящий come-back из прошлого!

Из какого прошлого? Поясные сумки входят в моду регулярно. В Древнем Египте и Древней Греции кошельки носили на поясе, индейцы с похожим аксессуаром ходили на охоту на бизона. В XIII–XV веках придворные бургундского двора крепили на пояс бархатный или кожаный кошелёк – омоньер, украшенный вышивкой, драгоценными камнями, мехом. Подобная мода быстро распространилась по Европе. В омоньерах хранили монеты, платки, записки, духи. Их можно увидеть на многих картинах Средневековья и эпохи Возрождения. Например, на картине «Притча о слепых» нидерландского живописца Питера Брейгеля у четверых из шести мужчин, изображённых на полотне, можно увидеть поясную сумку.

В 1990-х мода на бельтбэги вернулась в связи с увлечением молодёжи скейтбордом. Сумка вмещает деньги, телефон, ключи и при этом оставляет свободными руки, не сковывая движений. Такая функциональность пользуется спросом и в XXI веке, ведь как удобно в аэропорту с чемоданами и сумками положить самое нужное – паспорт, билеты и телефон в марсупио, расположенном через плечо на груди. При этом руки будут свободны, что очень удобно в суете поездки. Конечно, разные материалы, принты, вышивки и яркие цвета делают бельтбэг не только полезным, но и модным аксессуаром.

Кстати, к разговору о моделях. Как раз сейчас по ТНТ идёт проект «Ты топ-модель»[11], где один из ведущих сам Филипп Плейн. Цель проекта – найти будущих звёзд подиумов, при этом не банальных 90–60–90, а харизматичных «diversity»-моделей. Например, за главный приз – 3 миллиона рублей и контракт с брендом «Филипп Плейн» сражаются девушки с татуировками, девушка, потерявшая волосы из-за болезни, у некоторых участниц совсем нетрадиционные для моделей параметры фигуры. Чтобы быть моделью, важен не только внешний вид, но и умение держать себя и подать себя. Например, во время одного из показов Наоми Кемпбэлл упала на подиуме. Хотя это была случайность (темнокожая модель, конечно же, не планировала растягиваться на подиуме), но она преподнесла это так, что впоследствии многие дизайнеры просили своих моделей «сделать Наоми» – упасть на показе.

Интересно, что в XX веке для модного дома считалось престижным, если в нём работали русские манекенщицы. Из-за революции 1917 года многие из аристократических семей, сумевших покинуть Россию, поселились в Париже. Модельерам импонировало, что их наряды на подиуме представляют графини, Великие княгини и другие аристократки. Например, ведущей моделью Коко Шанель была княгиня Мэри Эристова, фрейлина императрицы Александры Фёдоровны. Княгиня славилась красотой, однажды она опоздала на важное мероприятие, но император Николай II лишь сказал: «Грешно, княжна, быть такой красивой».